Le origini di Possagno risalgono ai tempi remoti: in località Steggio sono state ritrovate tracce di vita che risalgono al quaternario, con reperti paleontologici molto interessanti (nel 2001, è inaugurato un museo, presso il Centro Sociale, che presenta gli scavi di Steggio, soprattutto agli Studenti); altri reperti fanno pensare a passaggi di popolazioni neo-eneolotiche e paleovenete in tutta la Valcavasia; è probabile la presenza a Possagno di un castrum romanum e di un castelar medievale. Le prime attestazioni del nome Possagno risalgono al 1076 d.C., quando dominava nella nostra terra la famiglia dei Rover, di origine germanica. Nel 1388, dopo il breve periodo della signoria del tiranno Ezzelino, Possagno, con tutto l’Asolano, passò sotto la Dominazione della Serenissima Repubblica di Venezia, fino alla sua caduta, nel 1797.

Possagno diventò famoso in tutto il mondo per aver dato i natali, nel 1757, ad Antonio Canova: la sua opera di scultore e di architetto ha completamente cambiato in questi ultimi due secoli l’aspetto urbanistico e gli assi stradali del paese: il Tempio, la Gipsoteca e la Casa del Canova hanno spostato a oriente il baricentro di Possagno e lo hanno reso una delle principali attrattive turistiche di tutto il Veneto

Vista dalla Cupola del Tempio di Possagno

Autoritratto di Canova all'interno del Tempio di Possagno

A Possagno tutto ruota attorno all'arte di Canova e quindi ai suoi pregevoli lasciti. Il Museo Canoviano di Possagno è nato tra il 1832 e il 1836, quando le opere di Antonio Canova (le sculture in gesso, in terra, in cera e in marmo, le tempere, gli oli su tela, ecc) furono trasportate dallo Studio di Roma a Possagno ed ospitate nella grande Gipsoteca che l'architetto Francesco Lazzari aveva appena terminato di costruire nel giardino di Casa Canova. Provate ad immaginare il lungo convoglio di carri e di navi, cariche di gessi, marmi e dipinti, che mossero da Roma e arrivarono nel piccolo abitato di Possagno: fu un'avventura che, per l'epoca, per i mezzi di trasporto e per le vie di comunicazione, ebbe dell'incredibile! Regista di questa poderosa operazione museale fu il vescovo Giovanni Battista Sartori (1775-1858), fratellastro di Antonio Canova e suo erede universale. Per custodire e conservare gli stabili e le opere del Museo canoviano, il Sartori nominò un conservatore-custode del Museo (il primo fu lo scultore possagnese Tonin Pasino, cui seguirono Stefano Serafin, Siro Serafin e Settimo Manera: tutti costoro abitarono in una parte della Casa del Canova); nel 1853, Sartori volle costituire il Lascito Fondazione Canova, l'Ente che ancora oggi gestisce e conserva tutti i beni artistici lasciati dal Sartori in eredità alla Comunità di Possagno.

Olio su tela, 1799
Collocazione attuale: Salotto di Casa del Canova, cm 102x75

La tradizione vuole che Canova abbia eseguito questo soggetto prendendo a modelle tre “putte” povere di Possagno che poi compensò con tre premi in denaro: da lì cominciò l’annuale elargizione di tre “grazie dotali” a tre ragazze povere che si fossero maritate entro l’anno (non vengono più distribuiti i tre premi da alcuni decenni, da quando lo Stato provvede all’assistenza degli indigenti). Le tre Grazie, erano dèe della bellezza del fascino e della felicità; figlie di Giove e di Afrodite, ciascuna aveva una caratteristica che la distingueva: lo splendore per Aglaia, la serenità per Eufròsine e la prosperità per Talia. Nell’agosto del 1997, questo dipinto fu rubato e, grazie all’intervento dei Carabinieri, fu recuperato e riportato nella sua sede originale: paradossalmente, quel furto rese quest’opera celebre in tutto il mondo tanto che oggi è richiesta da molti musei per mostre tematiche e temporanee.

Il disegni

Il patrimonio di disegni del Canova costituisce una testimonianza unica e preziosissima della sua arte: di nessun grande scultore possediamo una documentazione così rilevante della sua attività grafica.
Il Canova attribuiva importanza fondamentale alla pratica del disegno,paragonando la matita allo scalpello,circostanza che non sfuggiva neppure ai suoi contemporanei,i quali ne apprezzavano sia le accademie di nudo e di pianeggio,sia gli appunti tracciati di getto sui taccuini,definiti dal grande maestro i suoi "pensieri".
I disegni del Canova possono essere catalogati in due grandi categorie.Nella prima si collocano gli studi dell'antico e le accademie di nudo e panneggiate,virili e femminili che costituiscono la produzione di fine Settecento che ebbero duplice scopo nello sviluppo della sua arte: da un lato l'assimilazione della metrica della statuaria classica, sia il" vero" ,nel cui esercizio alterna i generi "forte " e "gentile" che sono i temi ricorrenti della sua opera.
Una seconda categoria di disegni è costituita dai "pensieri" che sono per lo più disegni d'invenzione di forte carica espressiva, che il Canova traccia nei suoi taccuini e che hanno l'immediatezza del bozzetto in creta e in cui l'artista dava sfogo ai propri stati d'animo e alle proprie irrequietezze.
Per questo mentre i disegni d'accademia ,minuziosamente datati in giorno, mese e anno, possono essere ritenuti la quotidiana palestra del Canova , i taccuini sono una sorta di diario personale dove traspaiono i tratti psicologici,i sentimenti e i pensieri che attraversavano la mente del grande artista.
Alla realizzazione dei disegni d'Accademia il Canova vi si dedicò fin dalla giovinezza con grande rigore quando frequentava le Aule di Venezia e di Roma o gli studi degli artisti.
La grande importanza dei disegni canoviani è sottolineata dalla critica contemporanea che tende a sganciarli dal presunto rapporto di subordine con i bozzetti e con i marmi, e li considera rivelatori del vero Canova.,il luogo in cui l'artista è "totalmente presente" e si rivela "genuino e completo".
Sin dalla Giovinezza il Canova si dedicò alla riproduzione dell'antico con indefesso fervore sia nel suo soggiorno a Venezia sia a Roma .
La sua produzione di disegni ,realizzati a matita e carboncino con ritocchi in biacca, doveva essere assai copiosa e ben più rilevante di quella giunta fino a noi: in essa vi erano riprodotti le copie delle statue conservate al Campidoglio ,nel Museo Pio Clementino e nelle residenze dell'aristocrazia romana,copie di affreschi di Michelangelo della Cappella Sistina che testimoniano la molteplicità d'interessi del giovane Canova che si concentra sullo studio dello stile " gentile " e "forte".
L'accuratezza con cui il Canova studiava le opere antiche è testimoniata dalla sua registrazione delle misure prese sull'originale e riprodotte nel disegno:in un primo tempo la sua attenzione fu attratta dalle sculture più famose, ma in seguito si diresse a campi meno esplorati della produzione antica, come la manifattura etrusca di stile arcaizzante e di modesta fattura, che pur di rude immediatezza ,possedevano ,secondo l'artista un ritorno alle origini e un rinnovamento della propria energia creativa.
Le Accademie di nudo virile sono realizzate in tecniche secondo i periodi di realizzazione: quelli dei primi anni di apprendistato sono realizzati con la tradizionale matita o carboncino, contrassegnati con la dicitura "ACCADEMIE/ OMBREGGIATE,e quelli realizzate a penna, in cui la matita è utilizzata solo per i primi tratti dell' immagine:la scelta non fu cascuale ma motivata dall'esigenza del Canova di marcare con precisione i tratti dell'impalcatura ossea e della struttura muscolare per impadronirsi della totalità dell'impianto anatomico virile.I singoli tratti sono talmente precisi da mettere in luce anche l'impalcatura ossea, quasi in una visione radiografica ,in particolare quelle degli arti.
Il chiaroscuro è utilizzato soltanto per sottolineare i tratti somatici del volto , delle barbe e delle chiome ,l'incavo acellare e il pube ,mentre non è presente nessuna ambientazione di fondo salvo il piano d'appoggio della creazione.
Molto spesso il Canova ritrae le figure in diversi punti di vista,per fissare con precisione tutti i tratti muscolari e di evincerne le parti più rilevanti in senso volumetrico, creando una sorta di repertorio straordinario dove attingere per le sue opere pittoriche e plastiche, punto di partenza per lo studio dei capolavori di genere "gentile" e "forte" come il Paride o i Pugilatori.
Del valore dei propri di segni di nudo virile il Canova ne era particolarmente geloso ,conscio del loro valore e della qualità estetica e qualora decidesse di farne dono di prestigio ,spesso sostituiva gli originali con copie.
Le Accademie di nudo femminile,assai minori per numero rispetto ai nudi virili.
La caratteristica principale di realizzazione di questa produzione è l'uso delle sfumature con matita con cui il Canova consegue quell'effetto di morbidezza con cui esalta la grazia seducente del corpo femminile.La matita è usata per delicate ombreggiature, a differenza delle linee marcate del nudo virile ,caratterizzato da un tracciato nitido e deciso.
La cronologia di questa produzione è probabilmente collocabile nei primi dell'Ottocento ,poiché nel Settecento lo studio del nudo femminile era proibito nelle scuole pubbliche ed era organizzato con difficoltà negli studi privati, soprattutto nella Roma papalina :preoccupazione che venne meno con l'avvento dei francesi.
Canova riprese ad interessarsi del nudo femminile nel suo soggiorno a Possagno del 1798-1799 nel quale dipinse la Sorpresa e Venere con Amore, che costituiscono il consolidarsi di alcuni esperimenti pittorici precedenti in vista della creazione di capolavori quali la Venere Italica e Paolina Borghese come Venere vincitrice modellate in gesso nel 1804.,le opere in cui viene incarnato l'ideale del nudo femminile canoviano .La maggior parte delle Accademie di nudo femminile del Canova , lo studio studio minuzioso del particolare anatomico a coglierne tutte le sfumature, sembrano perseguire il progetto dell'artista di confrontarsi con le più celebri statue di nudo dell'arte classica.I tratti chiaroscurali sono testimonianza di quelli che saranno i morbidi tratti che la mano dell'artista imprimerà nel marmo della Venere Italica e nella Paolina Bonaparte.
Un altro grppo di soggetti dei disegni canoviani è quello delle figure panneggiate virili e femminili:in essi l'artista ,dopo aver creato un repertorio di nudo virile e femminile, si cimenta con col problema delle figure panneggiate, centrale nella poetica neoclassica.
Con il termine panneggio si fa riferimento a tutto ciò che l'arte insegna sui rivestimenti che coprono le nudità delle figure e delle pieghe di essi.(definizione data dal celebre archeologo Winckelmann nei "Pensieri sull'Imitazione dell'arte greca nella pittura e nella scultura" del 1755 ).
Proprio Canova venne indicato come restauratore del buon gusto nell'uso del panneggi classico dopo gli eccessi dell'età barocca.
Come testimoniano alcuni tratti biografici,l'artista attribuiva grande importanza alle pieghe dei drappeggi:egli faceva riprodurre dei frammenti di pieghe di statue di deità o eroiche ed in seguito prendeva drappi di stoffa e ne vestiva i modelli riproducendone le fattezze, a coglierne le masse l'effetto dell'antico per giovarsene in seguito nelle sue opere.
Il risultato risulta stupefacente per qualità e originalità:la figura non si impone soltanto per il tratto formale dell'immagine o per l'attenta modulazione dei tratti chiaroscurali, che costituscono e modellano ogni piega con proprorzioni perfette rispetto alla figura sottostante ,ma soprattutto per il profilo emozionale che il Canova infonde ad ogni soggetto, come fosse personaggio isolato di un dramma o di un'azione scenica.
Di grande importanza sono anche le figure panneggiate femminili in cui si alternano figure dolenti ,in pose serene e rilassate, in manifestazioni di gioa, sedute,o distese.
Le figure dolenti rappresentano uno dei nuclei fondamentali su cui si forma la visione emozionale dell'artista che ricorre in tutta la sua produzione sino al rilievo per l'incompiuto monumento funerario di Francesco Berio. Alcuni disegni rimandano alla sequenza processionale di figure panneggiate presenti nel bassorilievo raffigurante "Le Troiane offrono il peplo a Pallade" e alla coppia femminile in "Socrate che congeda la famiglia",e nel modellino dell'irrealizzato monumento a Tiziano.Alcuni di questi temi verranno ripresi nell'imponente opera del Monumento funerario a Maria Cristina d'Austria nello studio di personaggi femminili che si avviano in mesta processione .
Vi sono disegni il cui panneggio ricopre quasi completamente la figura,hanno riscontro in due bozzetti raffiguranti la Pietà, in posizione seduta ed eretta ,testimonianze della dolcezza del panneggio canoviano e premesse al monumento funerario di Clemente XIV del 1783 e la Mansuetudine premessa al Monumento funebre a Clemente XIII del 1784.
Nella produzione delle dolenti è possibile rilevare anche la matrice della produzioni di steli funerarie canoviane a partire dal 1804 che parte dal modello di Stele di Giovanni Volpato.
Alcune figure di pose aggraziate ispirarono le tempere di Possagno , i Giochi di Ninfe e Amorini e la serie di Muse, filosofi e Poeti e le prime formulazioni delle figure di Danzatrici ,più tardi concretate nel marmo.
L'esercizio nel disegno del Canova servì allo sviluppo di uno stile qualitativamente importante nell'arte del panneggiamento conforme all'antico e al vero, attraverso il quale seppe infondere un forte lato emotivo alla figura,senza trascurarne il tratto formale, realizzando una sequenza di stati d'animo e di sfumature sentimentali ,dalla gioia allo stupore ,al pathos tragico attraverso le pieghe chiaroscurali che ha pochi eguali nell'arte moderna.
I disegni di Canova costituiscono uno straordinario deposito di appunti grafici che non ha riscontro nella produzione di alcun altro scultore del passato,testimonianza dei i suoi studi, dei suoi interessi, delle sue curiosità, ma anche anche del momento in cui si formavano le sue idee ,talvolta coperte dall'incertezza,ma il seme di quella immensa carica creativa che si manifesta soprattutto nei tratti più semplici e meno elaborati.
Quelli che possono apparire leggeri e poco definiti testimoniano invece l'attimo in cui si formava l'idea creativa del Canova l'istante in cui il pensiero veniva trasfigurato sulla carta con pochi e semplici tratti,in seguito più volte modificati.nella sua incessante attività di ricerca ed elaborazione che solo in minima parte troverà realizzazione nel marmo o nei dipinti.
La sua attività di disegnatore fu attività cui il grande maestro si dedicò in maniera incessante,ovunque si trovasse,nella consapevolezza com'egli soleva affermare che "matita e scalpello sono strumenti che guidano all'immortalità".

La Gipsoteca

Ercole e Lica

È il modello del marmo che si trova nel Museo d’Arte Moderna di Roma.
La lavorazione di quest’opera, la prima statua colossale di Canova, fu lunga e travagliata, più volte abbandonata, più volte ripresa: nel 1815, fu collocata in un nicchione appositamente costruito dall’acquirente nel Palazzo Torlonia: il prezzo pagato per il gruppo, 18.000 scudi romani era giudicato incredibile all’epoca.
E’ molto espressivo il volto disperato dell’ingenuo Lica: la mano aggressiva di Ercole che afferra i capelli del ragazzino traduce la forsennata aggressività e la ferocia disperata dell’eroe.
Il mito che ha ispirato l’opera narra della bella Deianira che invia in dono, tramite il servo Lica, al suo sposo Ercole la camicia di Nesso. Ercole, appena ricevuto l’indumento, indossò la camicia ignaro che questa gli si sarebbe stretta alle carni procurandogli dolori insopportabili da desiderare di morire.